Memorias del reloj de arena presente en Charleville

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El estreno oficial en Europa de “Memorias del reloj de arena”, coproducción entre La Tortue Noire y Luna Morena, se llevará a cabo este mes en el marco del Festival Mondial des Theatres de Marionnettes (Francia) el cual se suscita del 16 al 24 de septiembre del 2017.

Este festival francés es considerado uno de los más importantes del mundo en cuanto a la industria del teatro de títeres. Fue fundado en 1961 y tiene como objetivo reunir a titiriteros de todo el mundo, apoyar a la creación artística a través de la coproducción de espectáculos y la promoción y distribución de los mismos.

De esta forma, Memorias del reloj de arena se presentará el 19 y 20 de septiembre. El espectáculo es el resultado de la colaboración entre Canadá y México; gira alrededor del tiempo, la memoria y estimula al espectador a través de poesía sonora y visual.

La producción se pre-estrenó para el publico regional de Saguenay, Canadá, en el Petit théâtre de la Université du Québec à Chicoutimi (UQAC). Y se estrenó en el Festival International des Arts de la Marionnette à Saguenay (FIAMS) en julio pasado.

Para más información: http://www.festival-marionnette.com/

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Cine y Muñecos previo al 9° Festín de los Muñecos

 

Labyrinth of Darkness – Dir. Jiri Barta
29 de junio, 20hrs
Federalismo Nte 736, entre Eulogio Parra y Arista
Película para adolescentes y adultos
Con subtítulos en inglés
Entrada libre
Cupo limitado
Confirmar asistencia a prensa@titereslunamorena.com o al teléfono 3613-2571.

El Festín de los Muñecos, Festival Internacional de Títeres de Guadalajara, lanza ciclo de cine previo a su novena edición. Este primer ciclo de películas “Cine y Muñecos” arranca el próximo jueves 29 de junio a las 20hrs con la proyección de la compilación Labyrinth of darkness del cineasta y animador de República Checa Jiri Barta en la Casa de la Luna.

Este ciclo mostrará cine de animación y sus distintas corrientes como la Stop Motion y la animación digital. El objetivo será mostrar el arte de la animación de objetos, títeres, cartones y muñecos en el cine. En su mayoría, las películas seleccionadas son parte de la videoteca del Festín de los Muñecos & Luna Morena, taller experimental de títeres, que incluye títulos de cineastas y animadores como Jiri Barta, Jan Svankmajer, Lewis Klahr, Janie Geiser, Jim Trainor, Dave Borthwick, Jiri Trnka y otros.
En su primer ciclo, “Cine y Muñecos” se realizará el último jueves de cada mes desde junio hasta octubre de 2017, con la intención de vincularse con foros y otros cineclubes de la ciudad.

Toda la información acerca de las siguientes proyecciones se publicará en las redes sociales del Festín de los Muñecos.
www.facebook.com/festindelosmunecos
www.instagram.com/festindelosmunecos
www.elfestin.org.mx

Jiri Barta
Reverenciado como una de las figuras más importantes de la animación, el cineasta checo Jiri Barta ha hecho una carrera del lado de lo gótico. Sus mundos de horror y fantasía, están infundidos con un humor sublime. Mezcla las tradiciones estéticas de artistas como Gaudí, Kafka, Poe, Fritz Lang, The Brothers Quay y Jan Svankmajer. Las películas de Barta son creaciones maravillosas que van mucho más allá de los cuentos infantiles.

La reputación internacional de Barta se cimentó con The Pied Piper de Hamelin (1985), una adaptación del clásico cuento de hadas alemán en el que títeres de madera tallada en una ciudad cubista gótica están plagados de ratas vivas. Considerada una de las mayores obras de animación con títeres, recuerda las oscuras epopeyas medievales de Ingmar Bergman.

Trabajando principalmente en el prestigioso estudio de animación fundado por el legendario Jiri Trnka, las obras de Barta han sido penosamente ignoradas en los Estados Unidos.

*Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

El ‘vientre materno’ de los títeres de Luna Morena

Por @stip_contreras

Sus manos han sido el “vientre” de personajes emblemáticos como el niño Guy y Canek, Emiliano y María; y hasta bestias como Aracné de ARKA.

La artista y escultora canadiense Claude Rodrigue, comparte en entrevista su experiencia de años de trabajo con Luna Morena, taller experimental de títeres y otras compañías como Theatre Motus y Cirque du Soleil.

Rodrigue es también miembro de la Association québécoise des marionnettistes. Su trabajo en Guadalajara, es parte de los primeros intercambios artísticos del proyecto LAZOS de la compañía tapatía de teatro de títeres, Luna Morena.

Stip Contreras.- Haces escultura, marionetas, máscaras, ¿cuál ha sido tu formación? ¿en qué te especializas?

Claude Rodrige.- Viví en París y en la universidad tome un curso de máscaras. Cuando puse mis manos en la arcilla, fue como un shock. Yo siempre tuve contacto con el arte visual, ser actriz me gusta, pero no me sentía tan buena como para dar competencia, mi ego es demasiado frágil.

La escultura es muy fuerte para mí; tengo un talento que es como un regalo de la vida, entonces desarrollarlo, es más fácil, más motivante.

El camino no fue derecho, al inicio yo pensaba que los otros artistas eran buenos y yo no, como muchos artistas que no tienen consciencia de sí mismos. Por eso empecé en psicología y pedagogía.

Hice pedagogía a nivel primario, un maestro que conocí en Quebec me dijo que fuera a Montreal porque había un curso de expresión dramática de un año para profesores. No era teatro, era el trabajo de lo imaginario, sin público, como aprender a jugar como niños, expresar con el cuerpo, con la voz, con total libertad. Improvisar y jugar con ese sentimiento de cuando eres niño.

El curso de pedagogía fue en Quebec, en la Universidad Laval, y el certificado en expresión dramática en Montreal. Me di cuenta que no quería enseñar a los otros a expresarse, quería enseñarme a mí misma a expresarme.

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Claude Rodrigue y Miguel Angel Gutiérrez en el taller de trabajo de Luna Morena

SC.- ¿Cuándo llegaste a Francia? ¿A cuál universidad?

CR.- En los años 80 a la Universidad de París 8, Vincennes Saint Denis.

El curso era básico, era la iniciación. Pero busque un maestro y le dije que quería aprender de manera profesional. Él fue Jean-Pierre Maury. Empecé cursos en su taller privado, me enseñó todo sobre el yeso, la morfología, moldear, esculpir. Trabajé mucho en máscaras.

Antes de cambiar de dirección estaba en una compañía de teatro, empecé a hacer máscaras para ellos, para las obras y me interese en los títeres. Es un poco triste ver como algunas máscaras no viven y se quedan solo en la pared. Las máscaras que usan los actores tiene un misterio, una magia, hay reglas, pero viven por sí mismas. Las otras no, tienen expresión pero no viven ni tienen presencia.

SC.- ¿Cómo es tu proceso mental de traducir un sentimiento a una escultura, a un títere o una marioneta?

CR.- Es como un actor que busca en sus emociones, con la observación de afuera. Desde niña me gusta observar a la gente, sus expresiones y demás. También me acostumbre a adoptar cosas externas.

Me gusta mucho que estas creaciones no se queden como objetos acumulados. La escultura no es como el papel, ésta requiere espacio. Antes mi ego me hacía querer quedarme todo, pero ahora soy feliz de que las cosas se vayan, sé que van a servirle a alguien.

SC.- Cuéntanos la experiencia del público cuando vio tus primeros trabajos ¿Cómo te sentías tú?

CR.- Yo no vi esas reacciones porque estuve en Francia. Hice personajes pequeños para el Museo de la Civilización en Montreal, no fue como una obra de teatro en la que interactúas con el público, no recuerdo esa primera vez, pero una vez me pidieron una foca bebé y cuando salió la cabeza la gente hizo ¨awww¨ y sentí genial en mi corazón.

No me siento como una artista que va a cambiar al mundo con creatividad e ideas. Soy una artista con mucha sensibilidad, me gusta hacer lo que la gente espera, ser como un vientre para ese arte.

SC.- Has trabajado con Luna Morena en México, con Theatre Motus en Canadá y con Cirque du Soleil, ¿cómo describes tu trabajo en estos proyectos y que diferencias encuentras?

CR.- Llevo 15 años con Theatre Motus y 10 con la compañía Luna Morena. Con Theatre Motus cambia un poco la manera de trabajar, al principio estábamos juntos un equipo de producción y yo hacía especialmente el diseño de los personajes, la escultura, la pintura; yo hago el títere sola a menos que tenga un mecanismo muy complicado y requiera ayuda.

En Cirque du Soleil no tenía la libertad de decir cómo eran las cosas, ellos me decían lo que querían, hay que ser claro con esas cosas, a pesar de que sea una idea abierta debe haber cierta dirección de lo que quieren hacer y provocar.

SC.- ¿Quiénes han sido aliados, colegas y amigos en tu carrera?

CR.- Miguel Angel Gutiérrez aquí en Guadalajara, Hélène Ducharme, Louise Lapointe.

Denis Marleau de la compañía Ubu, muy famosa en Montreal. Ellos trabajan con proyección y video sobre una escultura, es un proceso que hacemos mitad y mitad, el que proyecta y yo, es una pantalla tridimensional que crea sombras. La proyección le da vida a la escultura.

Antes trabajaba para museos, circos. etcétera. Pero ahora, por mi reputación me piden muchas cabezas. El año pasado fui a trabajar al Theatre de la Dame de Coeur, que vinieron aquí al Festín de los muñecos, Festival Internacional de Títeres de Guadalajara de Luna Morena, ellos hacen títeres gigantes, me pidieron de nuevo trabajar con ellos, me gusta trabajar en equipo.

SC.- Has impartido talleres en Festivales como Casteliers, ¿cómo fue la experiencia? ¿Te gustó?

CR.- Muchísimo, especialmente en escultura, soy como un pez en el agua. Dejo salir mi locura, soy exigente pero también soy loca. Me gusta que sea un lugar de libertad y de expresión. En mi trabajo tome el riesgo de poner todos los huevos en la misma canasta, eso me vuelve experta en mi materia. La gente piensa en mí cuando necesitan este tipo de trabajo.

SC.- Con los personajes de la última producción de Luna Morena, ARKA ¿qué te ha pedido Miguel expresar con ellos? ¿Cómo esperas que sea la reacción y qué quieres expresar con ellos?

CR.- Lo primero que me pidió Miguel es a la hermanita de Emiliano, María, que se vea más joven, más frágil, con mucho miedo, como con sorpresa en ella.

También hice la araña, mucho más grande, a partir de la idea de Miguel, que es un cráneo. El estilo de estos títeres grandes es como de estructuras hechas de hueso, Miguel quizo darle organicidad a las piezas.

Luna Morena viaja a Alemania con CACTÁCEA

En el marco del XV aniversario de Luna Morena, taller experimental de títeres, la compañía tapatía viaja por primera vez a Alemania para presentar CACTÁCEA, una de sus últimas obras coproducida con el Laboratorio de Arte Variedades, LARVA.

Esta producción dirigida y escrita por el dramaturgo mexicano Alberto Villarreal*, con la dirección artística y de títeres de Miguel Angel Gutiérrez**, prepara maletas para presentarse el 23 y 24 de noviembre en el teatro Kammerspiele de Munich.

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CACTÁCEA fue elegida por Christoph Gurk e Ilona Goyenche para ser parte de la cartelera del festival “Un tranvía llamado deseo” que se realizará en el Kammerspiele con el tema, “Teatro en México: un festival sobre el vuelo, la identidad y las representaciones de la violencia”.

Dicho festival concentra su atención en directores y artistas jóvenes como Alberto Villareal, Laura Uribe, Mariana Villegas y Lukas Avendaño.

Las funciones se realizarán en cooperación con el Goethe-Institut México, el patrocinio de la Fundación Cultural Federal Alemana, y el apoyo de la Secretaría de Cultura de México, el Instituto Goethe de Munich y el Instituto Cervantes.

CACTÁCEA es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el programa “México en Escena”; y por la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Jalisco.

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La producción provocó controversia en su estreno en julio de 2016 en Guadalajara en una temporada de 12 funciones con taquilla agotada. Para este 23 y 24 de noviembre se hizo una adaptación especial para el Kammerspiele y para público alemán.

*Autor de ‘Cactácea’, texto comisionado por “Royal Court Theatre” de Londres y escrito gracias al Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA).
**Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA)

CRÉDITOS
Autor, director, diseño sonoro, concepción de espacio e Iluminación: Alberto Villarreal*
Dirección artística, concepción de títeres y animación: Miguel Angel Gutiérrez**
Diseño de producción: Charleen Durán
Producción ejecutiva: Aholibama Castañeda
Asistencia de dirección: Alejandro León
Asistencia de producción: Mariana de León
Diseño de vestuario, asesoría actoral: Esmirna Barrios
Asistencia de vestuario: Pepe Romero
Realización de vestuario: KREASKY
Jefe técnico: Américo García
Asistente técnico: Francisco Ramírez, Heriberto Estrada y Gerardo Jiménez.
Ingeniería de sonido: Jorge A. González “Cuervo”
Co-dirección y administración Luna Morena: Ana Zatarain
Subdirección Luna Morena: Liliana Rojas
Prensa y difusión Luna Morena: Esteban Contreras
Gestión Luna Morena: Vianey Pérez y Danitza Castañeda
Asistencia general Luna Morena: Luisa Guzmán
Proyeccionista: Armando González Cortés
Realización de títeres: Américo García, Claude Rodrigue, Rita Basulto, Iker Vicente, Humberto Galicia, Armando Hernández, Nicolás López, Alondra García, Rubén Castellanos, Arturo Castellanos, Álvaro Sandoval, Miguel Angel Gutiérrez, Fernando Puga.
Diseño de imagen e ilustración: LAGO; César Rocca, Humberto Vanhuten, René Hernández
LARVA (Laboratorio de Arte Variedades): Directora, Lourdes Ariadna González Pérez; Jefe de operaciones, Salvador Rodríguez Guzmán; Administración, Teresa Beltrán; Difusión: Osvaldo Fabián Elizondo García, Areli Cortés, Manuel Auroze; Técnicos: Óscar Moreno y Gerardo González.

INTÉRPRETES:
Andrés David
Lorena Ricaño
Carolina Ramos
Fátima Ramírez
Daniel Macías
Oz Jiménez

 

Miradas canadienses al teatro de máscaras

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Suzanne Lantagne y Louise Lapointe

Por @stip_contreras

8 de agosto de 2016 – Suzanne Lantagne y Louise Lapointe visitaron Guadalajara para compartir su pasión por la escena viva del teatro de máscaras, en un taller diseñado por ellas hace dos décadas en el Conservatorio de Arte Dramático de Montreal que por primera vez sale de su país.

Organizado por Luna Morena, en dos semanas intensas de trabajo, artistas tapatíos asesorados por Lapointe y Lantagne crearon una máscara y le dieron vida con un personaje.

La enseñanza en el lenguaje corporal para escena y la producción teatral ha sido la principal pasión de Suzanne desde el Conservatorio. Sin embargo, con cuatro libros publicados con la editorial francesa L’Instant même, confiesa que su rumbo en los últimos años apunta hacia la literatura.

Como directora del Festival Casteliers por 12 años y de una fundación homónima que se dedica a la difusión del arte de los títeres, Louise Lapointe compartió también su técnica de realización de máscaras.

Luna Morena tuvo el placer de entrevistarlas sobre su trabajo en Guadalajara, sus proyectos en Canadá, además de conocer su visión de las artes escénicas.

¿Cómo se conocieron y por qué decidieron hacer un Taller de Máscaras juntas?

Suzanne Lantagne (SL): Nos encontramos en el Conservatorio de Arte Dramático de Montreal, Louise trabajaba ahí cuando comencé yo. Yo era la asesora de técnica de escena, y escenógrafa.

Me contrataron para una puesta en escena; y después para dar cursos de movimiento para los actores, construcción de personajes, todo adaptado al trabajo del actor. Ahí tuve la idea de traer la máscara porque necesitaba que los actores estuvieran libres de transformarse.

En aquel tiempo vine a actuar en Guadalajara en una compañía de mimos. La visita fue antes de encontrarnos, entre 1984 y 1986.

Louise Lapointe (LL): Después de la visita de Suzanne a Guadalajara (84-86) nos conocimos y empezamos a enseñar lo del juego con las máscaras, con accesorios del conservatorio, máscaras que se encontraban y cosas que los alumnos fabricaban. Yo hacía máscaras para diferentes producciones, e imaginaba que cada uno de los estudiantes fabricara la propia.

Entonces di la primera sesión de realización de máscaras en el otoño y después de navidad, Suzanne crea al personaje en ese curso de movimiento con la máscara. Es un trabajo que al día de hoy hemos desarrollado por 20 años. Se han perfeccionado los ejercicios, y hacemos espectáculos conjuntos como laboratorios.

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Talleristas alumnos de Lantagne y Lapointe en Guadalajara

¿No han decidido evolucionar el taller a animación de marionetas?

SL: Podemos pensar, puede llegar, todo puede llegar. La belleza del trabajo en conjunto es que se haga orgánicamente, son 20 años que se desarrolló y se convirtió en algo… en máscaras que se transforman, se refinó mi trabajo con los actores que hacen la máscara, los ejercicios. Ha mejorado con los años, paso a paso sin forzar, creemos que va a continuar hasta que tengamos 80 años (bromea).

Sin embargo, ahora estoy más cercana a las máscaras, así como al juego de la actuación. Me gusta la máscara porque el actor es la marioneta, y es un trabajo del cuerpo, de la distancia, de la manipulación. Es un todo.

¿Cómo conocieron a Luna Morena?

LL: Yo me encontré con Miguel Angel Gutiérrez (director de Luna Morena) en 2004, mientras trabajaba en un festival de marionetas en Quebec. Entonces organizamos un taller de tres semanas sobre marionetas de madera con un escenógrafo Checo que recomendó a Miguel Angel y lo invitamos para esas semanas al taller en Quebec y así nos conocimos.

Claude Rodrigue (escultora y artista plástica canadiense) también vino una vez al Festival. Quedamos en contacto con Miguel y lo invitamos al Festival Casteliers varias veces como director invitado. Hace dos años cuando con Lili Rojas (subdirectora de Luna Morena) hablamos sobre la formación, y buscamos formas de colaborar. Después de dos años, esa es la historia, visitamos Guadalajara con el Taller de Máscaras.

¿Cómo se sienten en su primera experiencia haciendo el taller fuera de Montreal, esta vez en Guadalajara?

LL: Se siente muy bien enseñar el curso intensivo porque en Montreal es un año, la fabricación y la pintura lleva cuatro meses sobre las máscaras, el primer semestre es máscara neutra y la preparación del personaje. El intensivo lo hicimos solo una vez en el verano en Montreal, pero aquí en Guadalajara estuvo muy bien, la gente aquí es enfocada, seria, escucha muy bien.

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¿Qué diferencias encuentran entre el trabajo actoral y plástico de mexicanos y canadienses?

SL: En primera, no tienen la misma edad, nuestros alumnos en Canadá tienen entre 19 y 26 años, especialmente entre 22 y 23, y aquí están un poco más adultos. La diferencia está al nivel de la imaginación. Aquí la imaginación tiene que ver con la poesía, las metáforas, las segundas intenciones, allá no es natural para todos, sobre todo las generaciones actuales.

Los jóvenes cambian mucho en este momento sobre todo al norte de América, la imaginación ya no está tan estimulada, y aquí el lado metafórico está muy presente. El arte es parte de la vida aquí más que con nosotros, hay un poco de realismo mágico presente, esa es la gran diferencia.

¿Cuál es su visión y cómo justifican la necesidad de las artes escénicas o de las artes en lo social?

SL: En Canadá está muy valorizada la cultura, las artes, un poco por la fe francesa. El gobierno da más dinero para la cultura en Quebec porque quieren que defendamos el francés, estamos más apoyados que en otras provincias, tenemos muchos creadores, teatro, circo, danza, artes visuales, y hasta humoristas, hay muchos creadores.

Aquí el arte tiene más presencia política y socialmente. México es rico, hay menos dinero pero hay sonrisas, generosidad, contacto, le hace bien al alma, mucho calor humano, más simple. En Canadá no sufrimos hambre pero si sufrimos psicológicamente, hay más individualismo. Vamos a regresar.

¿Cómo describen al estereotipo del creativo o artista canadiense? Y ¿qué es lo que ustedes como canadienses han conocido del estereotipo de artista mexicano?

LL: Es difícil comparar porque no conocemos muy bien a los creadores mexicanos. Con nosotros es visualmente más limpio y aquí es mas bruto, esto pensando en los espectáculos que hemos visto.

En Quebec hubo cuestiones políticas pero ha bajado, había muchas creaciones colectivas y ahora es más individualista, más burgués. Allá la gente va más al teatro, sólo un 11% no va, hay muchos teatros, el más grande es de 800 personas. En una sala de 500 localidades, en promedio van 300, en el Festival Casteliers proyectamos un 60% de entradas, y este año 2015 tuvimos un 83%.

Los grandes teatros casi siempre están llenos. Hoy vemos que muchas veces se compra de último momento el boleto. Hay tanta oferta y la calidad es buena, hay muchas creaciones, tenemos muchas escuelas, son cinco escuelas profesionales de actuación en Quebec, hay muchas giras, tenemos muy buenos creadores.

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Louise Lapointe invita a la presentación de White Like Me: A Honky Dory Puppet Show en el Teatro Aux Écuries en Montreal en noviembre próximo

 

Respectivamente ¿Cómo ha sido su trabajo en Casteliers y en el Conservatorio de Arte Dramático de Montreal?

LL: En Casteliers me gusta mucho, lo fundé en 2005 y estamos ya preparando la edición número 12. Comenzamos más compactos pero ahora tenemos un festival con de 8 a 10 espectáculos. Al principio estaba yo sola como directora general, y desde el año anterior hay una codirección, hacemos equipo y nos dividimos el trabajo. La marioneta es un trabajo que me apasiona, se debe reconocer como una forma de arte íntegra en Montreal, para que la marioneta para adultos este ahí también, ¿por qué creer que la marioneta solo es para niños?

Otro proyecto es abrir una Casa Internacional del Arte de las Marionetas en Montreal. Estamos contentos porque tendrá laboratorio y queremos fabricarlo como en Luna Morena, con espacios para hacer talleres, y las oficinas de la Association québécoise des marionnettistes, porque hay muchos marionetistas en Quebec, mas de 40 compañías y como 100 miembros individuales. La marioneta es dinámica en Quebec, y en la Universidad hay un diploma sobre marioneta contemporánea. Hay mucha creación, jóvenes, compañías, es excitante, me gusta invitar a los extranjeros a los encuentros.

SL: Lo que me encanta del Conservatorio de Arte Dramático de Montreal es la libertad que tenemos como creadores, porque yo creo mis cursos, los ejercicios, lo que sucede con los estudiantes, tenemos espectáculos, evaluaciones, presentaciones, es nuestro material, nuestros intereses, estoy muy feliz de hacer teatro todos los días y no tener que esperar a que suene el teléfono.

Es una vocación estar enseñando, antes del Conservatorio ya enseñaba en una escuela privada, siempre la transmisión me da permiso de aprender, es maravilloso porque tengo un salario que me permite hacer otras cosas con cierta estabilidad, me siento muy feliz de estar en una de las mejores escuelas de teatro en Canadá.

Hago dirección y también enseño, lo que yo amo es la creación y la escritura, escribo novelas y libros que ya publiqué, adaptaciones de teatro. Me dirijo más hacia la escritura ahora.

Cactácea, un manantial que desborda mexicanidad. Entrevista con Alberto Villarreal

Cactacea_44.JPGAlberto Villarreal, autor y director de la última producción de Luna Morena, nos comparte en entrevista su visión acerca del teatro como espacio de expresión y los secretos al interior de la CACTÁCEA que termina temporada este 31 de julio en el Laboratorio de Arte Variedades, LARVA.

Por @stip_contreras

Stip Contreras (SC): Es tu primera obra con títeres y su lenguaje de animación ¿Cómo ha sido la experiencia?

Alberto Villarreal (AV): Un interés particular entre Miguel Ángel, director de Luna Morena y yo al crear esta obra, era trabajar en varios planos estéticos del teatro, trabajar con marionetas, actores, y ver al teatro como instalación. Y que esos tres lenguajes se intervinieran. La presencia de un juego mecánico de oruga, es un gran objeto que transforma el espacio en una instalación pero al mismo tiempo puede ser visto como marioneta y como un gran actor.

Buscamos que los actores habitaran en estos territorios, que se combinaran, se contaminaran, y eso también se volvió un impulso, un temperamento para las escenas en sí. Que las escenas tuvieran una sensación vertiginosa, un movimiento mecánico constante, un flujo, un ir todo el tiempo acelerándose, que fuera una obra rápida, una obra a partir de símbolos.

La potencia del símbolo dentro del teatro permite múltiples lecturas. El símbolo abre la subjetividad del espectador. Cuando ves un símbolo que sabes que compartimos todos, como público, como nación, como humanidad, pero al mismo tiempo le das un valor muy concreto, ahí es donde el público puede leer distintas cosas sobre la obra y es importante que el teatro no se vuelva un sector de adoctrinamiento que de una sola visión de la realidad y que la defienda como: “esto es la verdad”.

La verdad vista desde el teatro es un elemento peligroso, lo importante es poner en relatividad y encontrar otro modo de hacer las cosas, eso es precisamente la ficción.

SC: Cactácea está llena de capas conceptuales ¿Hay un sentido filosófico en esta obra, en su propuesta?

AV: Si lo hay, creo que la obra parte de una preocupación filosófica que tiene que ver con cuales son los paradigmas o los problemas del cambio de siglo, pero sobre todo de entrar en el universo de la Internet, y como la Internet está transformando nuestra conciencia de lo real, y a partir de aquí estudiar una idea particular de qué es México, la mexicanidad.

La obra surge de una provocación que viene del Royal Court Theatre de Londres, que escoge a un grupo de dramaturgos para que escribamos una obra sobre México. A partir de ahí, al comenzar a escribir a mí me parecía que tenía que pensar a México fuera de los lugares comunes, fuera del folklorismo, fuera de todo aquello que se reconoce al exterior de nuestras fronteras y que se identifica con lo mexicano; A mí me pareció que hay dos zonas que podían dar una mirada particular, una de ellas, el temperamento, la zona alucinante de la mexicanidad como opuesto radical al racionalismo de occidente de la cultura europea que llega a América.

Me importaba mucho esta idea de “La invención de América” en los textos de Edmundo O’ Gorman, extraordinarios, esa invención hecha a partir de lo alucinante, hecha a partir de lo fantástico, América como un territorio hecho absolutamente para desplegar fantasía; lo podemos ver incluso en los nombres territoriales de California al norte de Latinoamérica, que es el nombre de una isla fantástica de los libros de caballerías: la isla California; y al final del continente la Patagonia, de los gigantes patagones en Europa, es decir, el continente esta nombrado como espacio fantástico.

La idea fue retomar este espacio alucinatorio y después confrontarlo con otro modo de alucinación, que es la Internet, la virtualidad, lo irreal, los perfiles fantásticos, el mundo mentiroso en el cual se está habitando ahí, entonces ver la Internet como nueva opción nacional, como un nuevo lugar donde tú puedes tener una identidad. Aquello que nos daban los países ahora está en esa zona global.

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Lourdes González, directora del LARVA; Alberto Villarreal; y Miguel Angel Gutiérrez

SC: Esta pieza va de lo histórico, fantástico, documental, a lo contemporáneo ¿cierto?

AV: Exactamente, y una contemporaneidad que genera nuevos problemas sobre la humanidad que nunca habíamos tenido. Nunca habíamos estado en la situación de la Internet, y entonces me parece que el teatro es un lugar para plantear el problema y habitarlo a través de una serie de simbologías estéticas, rítmicas, sonoras y que sea el espectador el que se posicione.

SC: Esta obra está hecha para que el espectador la vea, pero también elija una postura frente a ella, ¿qué preguntas quieres dejarle al final?

AV: Es necesario que el espectador se posicione moralmente, éticamente, filosóficamente y lúdicamente ante la obra, por los símbolos que se presentan sobre lo mexicano, lo nacional. Nadie podría ser neutro ante ellos, significan algo para nosotros y poner en juego esos símbolos en el teatro puede ir desde una reflexión intelectual, una herejía, una obscenidad, hasta una bella metáfora, pero eso es imposible que lo decidamos nosotros como creadores, es algo que el espectador decide de acuerdo a sus valores, la obra está diseñada para dar este efecto.

Cactácea es una especie de manantial de preguntas y cuestionamientos; que ni siquiera se puede decir exactamente qué preguntas porque la obra ofrece muchos ángulos, muchos puntos de vista, y sin duda los espectadores seleccionarán el que les parezca más interesante.

SC: Hay momentos de la obra que aturden, sonoramente y en cuestión de símbolos y de conceptos. ¿Es una propuesta tuya?

AV: Sin duda, porque creo que la cultura mexicana está diseñada de eso. Cuando creábamos esta obra, Esmirna Barrios y yo queríamos hacer el vestuario, estábamos en el Mercado Sonora, en la ciudad de México, y cuando estás adentro de este mercado la sensación es totalmente de aturdimiento, es decir, no hay mesura. Aquí mismo en Guadalajara en los altares barrocos, en la comida, en una torta ahogada, y en una forma de aturdimiento de sabor.

La cultura mexicana no es mesurada, entonces me parecía fundamental crear este espacio que sí tiene linderos con el ruido, tiene un lindero con la sensación excesiva del color, pero justo eso es donde queríamos trabajar, tiene que desbordar, somos una cultura del desbordamiento. Por ejemplo, arquitectónicamente todo lo mexicano tiende a ser excesivo, los estadios que hacemos tienen que ser gigantescos, es decir, la cultura mexicana es muy desbordante, era un factor que queríamos que estuviera dentro de la obra y que fuera muy sensible.

Pero ya no es solamente el desbordamiento folklórico, si no el desbordamiento también de la Internet, como un espacio de tantos millones y de tanta información que no puede ser contenida por nadie, la Internet nos ha replanteado la idea de infinito, nadie puede ver todas las páginas de Internet, no puedes ni siquiera leer Wikipedia, no te alcanza la vida para hacer algo así, entonces la Internet volvió a replantear que el ser humano construye espacios infinitos que es incapaz de habitar, y eso es una saturación también.

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Andrés David, actor principal de CACTÁCEA

SC: De alguna forma hay una postura sobre el ritmo de lo humano, sobre este infinito de la Internet, y de la cantidad de información que no podemos consumir en su totalidad ¿Qué piensas al respecto?

AV: Es importante al final no decir algo concreto sobre la Internet, hay que exponerla, exponer la brutalidad y la belleza que contiene la Internet, pero no decir: “esto es muy malo”, “esto es muy bueno”, “qué bueno que nos sucedió”, “que malo que nos sucedió”.

El teatro puede quedar muy cerca de la retórica y muy fácilmente volverse un ente moral que le diga al espectador lo que debe pensar, nosotros huimos constantemente de eso, nosotros no sabemos qué decirle al espectador. Hacer teatro no quiere decir que tengas algo que decir, eso me parece un gran error, tampoco el teatro y el arte están hechos para hacer mejores personas, el teatro existe como una manifestación, una punción de necesidades viscerales y orgánicas, por eso es algo que está muy relacionado al cuerpo, al espacio, al tiempo, a lo inexplicable, a lo misterioso.

Juan José Gurrola hablaba de que el teatro baja y a veces acontece. Desde mi punto de vista es el contrario, creo que el teatro emerge, es una cosa más bien tectónica, más bien demoniaca, no en el sentido católico,  si no en el sentido casi pagano de algo que sube, y creo que el teatro entonces debe cuidarse de cualquier adoctrinamiento, de cualquier postura política fácil, de cualquier retórica, y de cualquier panfleto, porque entonces ahí es donde la realidad no se expande en el teatro, si no que se comprime a mero proselitismo.

SC: ¿Crees que la experiencia teatral no debería ser un deja vu si no una experiencia única que no vas a repetir?

AV: Esa es la utopía del teatro, para eso se trabaja, para tratar de que es la experiencia, que es la obra, cuando el público la observe realmente asista a algo irrepetible y que sepa, que sienta que no va a volver a ver algo así en su vida, porque no va a volver a ver esta obra. Cuando las obras repiten ciertas fórmulas, ciertos estilos, y uno siente que ya vio esta obra en algún lado, se anula algo central del teatro que es su incapacidad de ser clonado, su incapacidad de ser repetible y se vuelve algo para hacerse una y otra vez, una fórmula fácil, y ahí caemos en la mercadotecnia, que es algo muy alejado del teatro honesto.

SC: ¿Alberto Villareal tiene una fórmula? Tienes más de 40 producciones, ¿Hay alguna tendencia o corriente creativa en algunas de ellas?

AV: Hay obsesiones, las cuales son muy difícil quitártelas de encima, aquí aparecen varias por la iluminación, por utilizar constantes cambios, tengo un concepto muy personal de decir que la luz es el Dios superior del teatro, es el que hace que todo tenga una fuerza total, increíble; la aparición de la animalidad, que también es constante para mí; la idea de la sonoridad en los textos, aquí aparece entre el náhuatl y el español y ciertos cambios idiomáticos, ese gusto por el sonido; creo también el gusto por el fragmento, por la simultaneidad de diferentes planos en la escena. Podrían verse como formulas estéticas, pero yo los vivo más como espacios de obsesión que, aunque no lo quieras, aparecen una y otra vez, es imposible ir contra eso. Si no hay esa obsesión es muy difícil sostener tantas horas de ensayo  y proponerle algo a los demás.

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Imagen de la puesta en escena

SC: ¿Cuál es el teatro que te gusta, donde el protagonista es el texto o la imagen?

AV: Realmente a mí me gustan todos los teatros, me gusta el teatro realista cuando es contundente, bello, cuando el texto dice algo, también cuando son teatros solamente de imágenes, teatro clown, teatro callejero.

En realidad a mí me apasiona el teatro en general, no tengo un gusto específico por algún tipo de teatro. Cuando el teatro se manifiesta con fuerza, está hecho con honestidad, con ataque, con radicalidad y riesgo, es siempre memorable, cualquier estilo de teatro. Todos los estilos que yo conozco, por los que he tenido la fortuna de pasar o los que hacen los compañeros y que para mí son imposibles, me despiertan siempre una enorme admiración y deseo de ir a ellos de decir: “a mí me encantaría un día explorar solamente esto en un corte absolutamente realista”. Afortunadamente el territorio del teatro es infinito y hay lugar para todos.

Luna Morena emprende un periodo de festejos por su XV aniversario.

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En este marco, Luna Morena estrena CACTÁCEA en coproducción con un espacio emblemático de la cultura en la capital de Jalisco, el Laboratorio de Arte Variedades (LARVA) del ayuntamiento de Guadalajara.

CACTÁCEA se suma a la lista de coproducciones que Luna Morena ha realizado en los últimos años. Se trata de un montaje en manos del reconocido dramaturgo y director de teatro Alberto Villarreal, quien es autor del texto y estará dirigiendo esta producción que tendrá su 1er temporada del 15 al 31 de julio de 2016 todos los jueves, viernes, sábados y domingos en el LARVA, ubicado en el corazón de Guadalajara.

Con CACTÁCEA, Luna Morena re-significa el espacio escénico y mezcla lenguajes: el audiovisual, la animación de títeres, la actuación y la literatura. Una puesta retadora para el público con una propuesta que muestra la madurez que ha alcanzado la compañía en 15 años.

Luna Morena nace en el año 2001 en Guadalajara. A manera de laboratorio, su búsqueda fue la fusión de disciplinas que componen la escena para borrar las barreras entre lenguajes, con el fin de encontrar un discurso propio y universal.

Teatro de figuras, títeres, objetos, sombras, máscaras, música, corporalidad e imágenes se complementan creando mundos oníricos y una poética que busca cautivar los sentidos del espectador.

Sus producciones han tenido la oportunidad de viajar por todo México, EEUU, Canadá, China, Taiwán, República Checa, Colombia y España.

Entre sus espectáculos más importantes se encuentran: Sombras, un sueño entre un sueño – Homenaje a Edgar Allan Poe (2005); Canek, leyenda de un héroe maya – Coproducción con Teatro Diana (2008); Cuentos para no dormir – Adaptación de los cuentos del Doctor Hoffmann (2010); Martina y los hombres pájaro – De Mónica Hoth (2011); Zaikocirco – Proyecto musical con dos discos: Zaikocirco (2009); PorkyStyle (2015); Memento Mori (2014) – Coproducción con La Tortue Noire de Canadá dirigida por Dany Lefrançois.

En 2014 consolidó Lazos: Proyecto de Colaboración Internacional, con el que ha realizado intercambios creativos con artistas extranjeros e instituciones como la UNESCO. Esta experiencia le ha traído retos como coproducir dos obras con La Tortue Noire, destacada compañía de la Provincia de Quebec.

En el año 2015 creó y consolidó el Laboratorio Integral del Títere (LIT) cuyo objetivo es contribuir en la formación en el arte de los títeres. Este 2016, en su XV aniversario, Luna Morena retomará la calle con el proyecto ARKA en su Carromato de la Luna.

El Festín de los Muñecos
Desde 2005 Luna Morena creó el Festival Internacional de Títeres de Guadalajara, Festín de los Muñecos que se lleva a cabo de manera bienal desde 2009 y ha traído espectáculos de Europa, Norte y Sudamérica.

El Festín de los Muñecos en sus 8 ediciones ha hecho resonancia con el trabajo de la compañía, pues busca difundir y revalorar el arte de los títeres mediante la investigación, creación y difusión del mismo.

Algunos Festivales en los que Luna Morena ha participado:

  • Festival Macau Fringe y WACFest, China octubre-noviembre, 2004.
  • Festival Capitol Fringe, Washington D.C. E.U.A., 2006. -Festival Internacional de Títeres de Praga, Rep.Checa, 2007.
  • Festival Internacional de las Artes para la infancia Taipei, Taiwán, 2007.
  • Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Colombia, 2008 y 2016.
  • Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, España, 2010.
  • Feria del Libro en español en Los Ángeles (LeaLA) L.A. E.U.A., 2012 y 2013.549632_10200580149739806_906516319_n

Se prepara Luna Morena para el FIT Bogotá 2016

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Bajo el lema “Tu vida necesita teatro” y “El teatro está de fiesta ¡celebremos!”, se realizará del 11 al 27 de marzo del presente año,  la edición XV del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, el cual tendrá a México como país invitado de honor; la compañía Luna Morena, taller experimental de títeres, tendrá el honor de participar con la propuesta musical-escénica del grupo ZAIKOCIRCO.

El también conocido como FIT Bogotá, se realiza cada dos años desde 1988 y es laGran fiesta nacional”, así lo define su directora Anamarta de Pizarro, quien explica que este Festival reúne a lo mejor de las artes escénicas de Colombia y del mundo.

ZAIKOCIRCO viajará a Bogotá en conjunto con Cultura UdeG y el Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara. Se realizarán cinco funciones en un formato de teatro de calle del 20 al 26 de marzo.

ZAIKOCIRCO compartirá con el público colombiano y de diversas partes del mundo que asisten al FIT Bogotá su segunda producción discográfica titulada PorkyStyle, la cual se lanzó en Guadalajara en julio de 2015;  este material, cuyo eje es la música balcánica también contiene géneros como el jazz, el funk y la polka.

La historia de Zaikocirco comenzó en 2004 bajo la iniciativa y dirección de Miguel Ángel Gutiérrez (miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA). A esta mente creativa se sumó la perspectiva sonora de Saúl Ledesma, productor, músico y cantante tapatío integrante de la banda Radaid.

El ZaiKocirco, cuyo nombre es una deformación de la palabra psycho, representa imágenes de un circo fantástico, callejero; una especie de fenómenos visuales que bailan al son de sonidos ancestrales en busca del infinito perdido.

Si bien Zaikocirco inició como una interacción armónica entre el teatro de títeres, acrobacia y música, el proyecto se encuentra en una evolución como banda, que ha pasado de fungir como acompañamiento en puestas en escena hasta alcanzar un lugar independiente en el ámbito musical.

Entre sus participaciones más notables destacan:

  • Festival Cervantino, Barroco. San Cristóbal de las Casas, Chiapas (2008)
  • Feria de Cultura San Marcos, Aguascalientes (2008)
  • Festival Internacional de Teatro de Calle, Zacatecas (2010)
  • Cumbre Tajín, Veracruz (2011)
  • Carnaval de La Paz, BCS (2011)
  • Festival Cultural Zacatecas (2010 y 2012)
  • Festival Alfonso Ortiz Tirado, Álamos, Sonora (2012 y
  • Festival Cultural de la Sierra, Pahuatlán, Puebla (2012 y 2013)
  • Carnaval Autlán de Navarro (2013)
  • Feria del Libro en Español en Los Ángeles (LeaLA) E.U.A. (2012 y 2013)
  • Festival de Títeres “Rosete Aranda” (2013)
  • Festival Alfonso Ortiz Tirado (FAOT), Sonora, México (2014)
  • 13 Festival internacional de Títeres de Morelia, Morelia, México (2014)
  • Festival de la Ciudad, Villahermosa (2015)
  • 27 Festival de Música de Morelia, Morelia, México(2015)
  • Presentación del disco PorkyStyle, Teatro Diana, Guadalajara, Jalisco (2015)
  • Festival Cultural Amado Nervo, Tepic, Nayarit (2015)

Más del FIT Bogotá

Entrevista  Anamarta de Pizarro, directora del Festival:

¿En que ha beneficiado al país el hacer el Festival?

Hay un estudio que hizo el observatorio de turismo de Bogotá y se le preguntó a la gente cuál era en el imaginario el evento cultural con el que se sentía más identificado y la gente respondió que el festival y cuál es el evento internacional con el que asocia el nombre de Colombia y también fue el festival, eso indica que hay una cantidad de gente y periodistas que quieren venir a ver el evento.

Esta versión va a ser muy importante porque va a estar en medio de la firma de la Paz, lo que le va a dar ese toque especial. Se ha constituido en uno de los tres festivales más importantes del mundo junto con el de Aviñón y Edimburgo. (http://elespacio.net.co/entrevista-anamartha-pizarro-directora-del-festival-teatro/ )

Numeralia del FIT Bogotá:

  • 100 directores
  • 3650 actores
  • 32 países
  • 164 obras
  • 855 funciones
  • 210 funciones de teatro de calle
  • 63 escenarios
  • 38 salas
  • 22 localidades

 Trailer oficial: https://www.youtube.com/watch?v=ebRqB9ookH8

El 8º Festín de los Muñecos, listo para el arranque

Martes 13 de octubre 2015

BOLETÍN DE PRENSA

-Los hilos que Mueven al Mundo-

 

CARTEL FESTIN_REDESEl 8º Festín de los Muñecos, Festival Internacional de Títeres de Guadalajara se realizará del 19 al 25 de octubre, con esta edición se celebran 10 años de existencia, tiempo en el que han participado compañías locales, nacionales e internacionales.

La inauguración correrá a cargo de la compañía española, Los Claveles Teatro con una obra para toda la familia titulada “Los Siete Cabritillos”, el lunes 19 de octubre a las 4 y 6 pm en el Teatro Experimental de Jalisco. Tendrán una función más el 22 de octubre en el Teatro Vivian Blumental a las 6 pm.

Se contará con la presencia de artistas titiriteros reconocidos por su  trayectoria como el también director y dramaturgo Rafael Curci (Uruguay), quien estrenará “Proceso Kafka”, un montaje inspirado en las obras del escritor alemán, Franz Kafka (El Proceso y Metamorfosis), en el Teatro Experimental de Jalisco, los días 22 y 23 de octubre a las 20:30 horas.

De Québec, Canadá llegan las compañías Le Pire Espece, con la obra “Ubu sobre la mesa” con única fecha en el Teatro Vivian Blumenthal el 20 de octubre (6 y 8 pm); Les Pas Sortables, contagiará a chicos y grandes de la alegría de “Los Viejos y el Mar”, recorriendo diferentes espacios de la Zona Metropolitana de Guadalajara (22,23,24 y 25 de octubre) como el camellón Chapultepec, el patio central del Mercado San Juan de Dios, Plaza Tapatía, entre otros; la titiritera Marcelle Hudon, presentará su instalación (19 al 25 de octubre) “El pabellón de los felices inmortales” en el edificio Zaragoza.

Como parte de las actividades complementarias a El 8º Festín de los Muñecos, Helen Ducharme, actriz y directora de Le Théâtre Motus (Québec) impartirá un taller especial sobre Dirección y Actuación de Teatro con Títeres.

De la escena nacional se podrá disfrutar “La repugnante historia de Clotario Demoniax”, de la compañía Teatro Tinglado, dirigida por el titiritero Pablo Cueto, quien preserva el legado de su familia dedicada al teatro de títeres.

Además asistirán al Festival Internacional de Títeres de Guadalajara la compañía Mano y contramano, originarios de Xalapa, Veracruz, con la obra “Otras Manipulaciones”, con dos presentaciones en el Teatro Vivian Blumenthal el 24 de octubre (6 y8 pm); la compañía Aquelarre Teatro estará el 20 y 21 de octubre (6 pm) en el Teatro Experimental con su obra para toda la familia “Ombligos Brillantes”.

Mientras que la compañía originaria de Guadalajara, El Tlakuache presentará “Los Sueños de Pako”, en el Teatro del IMSS el día 20 de octubre a las 5 pm siendo ésta entrada libre.

El Festival contará también con la presentación de libros. Rafael Curci, presentará “El titiritero en escena”, el 22 de octubre 17:00 horas en el Centro INART. Mientras que Edwin Salas dará a conocer su publicación “Mecanismos de marioneta de acción directa”, el 21 de octubre a las 17:00 horas en el mismo centro, ambas actividades en el Salón Stanislavski.

Iker Vicente, originario del Distrito Federal tendrá una exposición permanente (del 19 al 25 de octubre) en el Foro Periplo con su propuesta titulada “Correrías sin prisa Lázlo Lozla y la banda sin fin”.

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Por último la compañía de teatro Luna Morena, taller experimental de títeres, organizadora de El Festín de los Muñecos, clausurará con el estreno de “Emiliano y el Tren al Inframundo” el domingo 25 de octubre en el Teatro Diana (1 pm). Esta obra es de gran formato, la dramaturgia estuvo a cargo de Miguel Angel Gutiérrez*, en la producción general Lili Rojas y participan actores titiriteros como Karina Hurtado, Andrés David, Ana Elisa, Ihonathan Ruíz, Mely Ortega, entre otros [1]

Este año, gracias al apoyo del Parque Temático Xcaret y a través de EFITEATRO[2], Luna Morena podrá llevar también la puesta en escena al Festival de Vida y Muerte de Xcaret los días 30,31 de octubre 1 y 2 de noviembre (programa disponible en www.festivaldevidaymuerte.com ).

 

[1] Para consultar a todo el equipo que conforma esta producción pueden visitar blogtitereslunamorena@wordpress.com

[2] Estímulo Fiscal del artículo 226 BIS de la LISR.

Memento Mori en FIAMS Canadá

Por: Daniel Cote

En México, la muerte es parte de la vida cotidiana, en el sentido de que no les da miedo enfrentarse a la palabra, mientras que en Quebec, tienen el mismo estatus que el polvo que se desliza debajo de la alfombra (para ocultarlo). Hacemos todo lo posible para borrarlo del paisaje.
Por lo tanto, fue interesante ver, ayer por la noche, cómo las dos compañías, Luna Morena y La Tortuga Negra , ésta originaria de Sagyuenay, exploraron el tema de la muerte con la puesta en escena Memento Mori. También se ha presentado en México en español en donde se presentó por primera vez (en Guadalajara).
Además hubo una breve aparición de los actores y titiriteros Martin Gagnon, Sara Moisan y Fanny Tousignant al final de la obra, compartieron el escenario con los actores mexicanos Karina Hurtado, Andrés David y Meztli Robles, quienes se llevaron la mayoría de los diálogos mientras hubo una traducción simultánea.
Pedacitos de vida. Pedazos de la muerte, lo suficiente para que el espectador trabajara. Se recuerda la fragilidad de la vida y lo importante que es celebrarla. La obra deja un margen para la interpretación.
La tentación es grande para navegar en la poesía de las imágenes creadas por los actores, junto con el director Dany Lefrancois.
Los pies de un niño debajo de una mesa. Un hombre que llevaba una cabeza cabeza que no era la suya. Feliz casi eufórica, la mujer sostiene una pluma en equilibrio sobre su mano, “adiós a la gravedad”, decía. Pareciera la muerte en forma ligera, que contrasta con la vida frente a la adversidad: un tren que llega a todo vapor.
Reunidos en la sala del teatro Jonquiere, el público mostró total atención durante la hora de la puesta en escena.

Publicado en LeQuotidien 23 de julio 2015